Ce travail se penche sur quatre œuvres de Michel Dave, artiste contemporain établi en Belgique au centre d’art thérapie de La Pommeraie, dirigé par Bruno Gérard, acteur important du monde francophone de l’Art Brut. Dans ce cadre sollicitatif, Michel Dave a réalisé plus de deux cent tableaux composés principalement d’intrigantes listes de mots. Dans une étrange harmonie se dessine une unité nouvelle entre langue et image, où l’énonciation oscille entre le lisible et l’illisible.
Michel Dave écrit, mais nous ne savons pas comment l’appréhender : le lecteur ne peut étiqueter a priori ce qui fait sa spécificité. L’œuvre de Michel Dave est une œuvre libre : elle permet à chacun de s’inventer comme sujet, découvrant du sens ou plutôt des modes de signifier là où ceux-ci ne sont pas nécessairement marqués du point de vue de la convention.
Suivant Emile Benveniste, le langage humain est l’interprétant de la société : l’efficience de la langue de Michel Dave consiste en effet en sa capacité à interroger quitte à les déstabiliser les statuts sociaux attribués : poète ou malade ? peintre ou écrivain ? Quelle place assigner à Michel Dave ? Et si le problème était le nœud du problème ?
La capacité de l’œuvre de Michel Dave à ébranler les grilles de lecture socialement instituées la situe de plein droit dans la poétique de l’art inventée en 1945 par Jean Dubuffet en même temps qu’elle en renouvelle l’action critique.
Olivier Barbarant, artisan d'un verset poétique contemporain
Rodriguez, Antonio
Ce travail cherche à interroger la structure du verset à l'heure de l'extrême-contemporain, en se fondant sur deux recueils contemporains du poète Olivier Barbarant écrits en versets ("Essais de voix malgré le vent" et "Odes dérisoires"). L'analyse de cette forme hybride (qui mêle des éléments de vers et de prose) autant qu'historiquement complexe - dans la mesure où le verset fut d'abord la forme par excellence des textes sacrés et bibliques - apparaît selon nous comme un moyen particulièrement fécond d'appréhender les ambiguïtés génériques qui prévalent dans la poésie contemporaine.
Notre travail, dès lors, tente de montrer que certaines des composantes inhérentes à la poésie d'Olivier Barbarant trouvent un véhicule formel idéal en la forme du verset. Les caractéristiques de cette poésie - les longs poèmes non ponctués, une énonciation vagabonde, une syntaxe circulatoire, voire certaines contradictions sémantiques ou ontologiques (le sacré et le profane s'y côtoient avec bonheur) - semblent comme soutenues par la forme-verset, dont l'un des horizons semble être de ménager une plus grande amplitude rythmique et typographique - donc une ouverture - à la voix poétique. L'instabilité générique autant que syntaxique qui domine ces deux recueils, et qui semble en partie assumée par le recours au verset, apparaît comme le choix légitime d'un poète qui, craignant plus que tout que la poésie ne se fige, ne s'assèche ou ne raréfie toujours plus ses moyens d'expression, souhaite élargir une voix poétique avide de "chanter malgré tout". Le verset apparaît donc dans ces poèmes comme un moyen de faire cohabiter une certaine précarité (ou un déchant) avec la recherche d'un souffle neuf - en tentant de rétablir un dialogue avec la Lyre.
Georges Haldas en voyage : ouverture, pacte de lecture et captatio dans ses chroniques extra-helvétiques
Maggetti, Daniele
Ce mémoire a pour objectif d’étudier certains procédés littéraires que Georges Haldas, écrivain romand très productif, met en œuvre dans ses chroniques. Il y est question tout d’abord d’appréhender sa bibliographie de manière globale en se concentrant sur les « ouvertures » (terme que nous définirons) de trente et un de ses ouvrages. Sur la base de ce corpus, le travail se concentre sur la manière dont Haldas propose un pacte de lecture et entraîne son public dans ce genre qu’il auto-désigne comme celui de la chronique pour se conclure par l’élaboration d’une typologie des ouvertures haldassiennes. Au niveau de la méthode, cette première partie utilise comme outil de recherche un tableau qui répertorie diachroniquement les trente et un textes et leur incipit respectif ainsi que certains éléments observables dans ces débuts textuels.
La seconde partie de ce mémoire se concentre sur La Maison en Calabre, L’Intermède marocain et Pâques à Jérusalem, trois chroniques qui ont la particularité de raconter un voyage vécu par l’écrivain. A travers ces ouvrages, ce travail tâche de montrer comment Haldas construit et développe un récit tantôt autobiographique, tantôt romanesque, mais au sein duquel le lecteur occupe toujours une place singulière et privilégiée. Les procédés de captatio de ces trois chroniques sont observés ainsi que commentés dans cette partie et, enfin, l’auteur est étudié sous l’angle du pacte autobiographique, concept développé par Philippe Lejeune.
La conclusion met en lumière la multiplicité des enjeux de la chronique haldassienne, mais également l’importance des procédés d’écriture propre à l’auteur.
Entre Histoire et fiction : Le vampirisme historique de Jacques Chessex
Maggetti, Daniel
À vocation interdisciplinaire, le présent mémoire s’intéresse à la manière pour le moins singulière dont l’écrivain Jacques Chessex s’y prend pour écrire l’Histoire, en se focalisant sur quatre de ses ouvrages : Le Rêve de Voltaire (1995), Le Vampire de Ropraz (2007), Un Juif pour l’exemple (2009) et Le Dernier Crâne de M. de Sade (2009).
Loin de pouvoir être perçu comme un historien, l’écrivain use, au sein des ouvrages étudiés, de procédés littéraires habiles et récurrents pour empreindre l’Histoire de toute sa subjectivité, l’intégrer à sa propre personne, à son univers et, plus généralement, à la mythologie qui sous-tend son œuvre depuis les années 1960. À chaque fois, les mécanismes qui sous-tendent ce processus de « vampirisation de l’Histoire » demeurent fondamentalement les mêmes. Chaque livre fait le récit d’événements qui se déroulent à des époques différentes, chacune expressément caractérisée : l'Europe des Lumières et celle de l’après Révolution, avec leurs différents courants de pensées et leurs grands hommes ; la Suisse rurale du début du XXe siècle, reculée, ignorante, violente et celle des années 1940, tiraillée entre différentes puissances européennes qui se font la guerre. En sélectionnant et en cristallisant autour de sordides épisodes historiques ce qui constitue, à ses yeux, l’ « essentiel » de ces époques et en y associant ses propres fantasmes, ses traumatismes et ses obsessions, Chessex intègre ces « morceaux attentivement choisis » à tout ce qui constitue son être. Loin d’être innocent, ce processus permet à l’auteur de dresser un portrait en synecdoque de ces différentes périodes – la partie choisie représentant le tout. En effet, loin de brosser de grandes fresques historiques, Chessex resserre toujours l’intrigue autour d’un épisode précis, où viennent se confondre grandes figures et personnages secondaires, moments glorieux ou terribles de l’Histoire et minutes insignifiantes, rêvées ou inventées. Ces récits sont très fortement ancrés dans un lieu. Le Jorat, tout comme la Broye et le plateau lémanique, participent d'un même univers : le Canton de Vaud. De cette unité de lieu découle une unité de pensée particulière : des traditions, des croyances typiquement « chessexiennes », qui imprègnent fortement les gens et influent sur leur manière d'agir. Ainsi, loin de dresser un portrait objectif du canton et de ses habitants, c'est avant tout à lui-même que Chessex revient ; c'est lui qu’il met en scène directement ou indirectement à travers ses personnages, sa vision subjective qu’il impose au lecteur, ses obsessions, ses culpabilités, ses Vaudois qu’il fait vivre. À travers l’Histoire, l'auteur postule donc une permanence de l’être, en même temps qu’avec une certaine ironie il se place, lui et son univers, en position stratégique : au centre de l’Europe, voire même du monde. Sous cet angle, le fait divers apparaît comme un « précipité » et/ou un « vecteur » lui permettant de condenser, de ramener et d’amalgamer des pans entiers de l’Histoire à une mythologie personnelle qui, paradoxalement, enfle et rayonne. De cette écriture oscillant constamment entre la « concentration » et l’« expansion » naissent alors des récits ambigus, dans lesquels l’Histoire rapportée, les sources, l’Histoire vécue, la perception subjective de l’écrivain et l’Histoire inventée ne cessent de s’entrecroiser et d’interagir, pour donner vie à une illusion de réalité particulièrement convaincante.
Loin d’être désorganisés, les divers mélanges, croisements et interactions que Chessex opère, au sein des ouvrages, entre l’Histoire, la perception subjective qu’il peut en avoir et la fiction à proprement parler, résultent de procédés habilement étudiés, qui sont destinés à amadouer le lecteur, à « mentir vrai » pour lui faire croire à la véracité de ce qui lui est raconté, tout en le privant des principaux moyens de contextualisation qui lui permettraient de pouvoir remettre en question la vision subjective et transposée de l’Histoire qu’on lui donne à voir. Or, contrairement à tout ce que la littérature critique a – jusqu’à aujourd’hui – proposé, seule une étude interdisciplinaire – du type de celle que nous présentons ici – concentrée sur la genèse des œuvres, en se basant sur l’étude et les recoupements opérables entre les sources – employées, ou non, par l’écrivain – et la réalité dont elles témoignent, peut permettre de démêler un tel réseau d’associations.
De fait, loin de découler d’un acte de production/création littéraire en soi, le processus de « vampirisation de l’Histoire » opéré par Chessex découle d’un méticuleux travail de recherche, qui a été opéré en amont de l’écriture, et duquel résultent un certain nombre de sources. Toutefois, même si, sur ce point précis, la démarche de Chessex se rapproche de celle d’un historien, l’usage qui est fait de ces documents est radicalement différent. En effet, loin d’employer ces traces dans le but d’étudier et de reconstituer un passé qui soit le plus fidèle possible à la réalité d’antan, l’auteur se sert de ces sources comme autant d’outils – ou de « figures d’autorité » – lui permettant de donner une meilleure illusion de réalité ; n’hésitant pas à les retoucher, à les transformer et parfois même à en inventer des parties entières pour rendre sa perception subjective de l’Histoire tout à fait vraisemblable. Une fois cette démarche accomplie, les documents historiques sont ensuite intégrés au cœur de la narration romanesque, au sein de laquelle ils servent de « fondement », d’ « assise » sur lesquels l’écrivain peut composer ses récits et y mêler sa subjectivité. Chessex peut alors, sur cette « base », créer des scènes qui ne se sont pas produites dans la réalité des affaires traitées, mais qui apparaissent d’une cohérence absolue avec la vision subjective de l’Histoire qu’il est parvenu à bâtir. De fait, en plaçant sur un même plan, en mélangeant et en faisant interagir l’Histoire et la fiction – qu’il établit à partir de certains documents « réels », d’informations et de déductions qu’il a pu glaner ou former au cours de l’enquête qu’il a menée – Chessex parvient à restituer un ensemble de scènes et de réflexions homogènes, qui forment un tout que SA logique charpente. L’illusion de réalité est alors telle qu’elle ne laisse d’autre choix au lecteur que de croire à ce qui lui est raconté.
L’Art du « bestournement » dans Mélusine de Franz Hellens
Wahlen, Barbara
À mi-chemin entre le conte mélusinien et le roman arthurien, mettant en scène des personnages hybrides, à l’instar de l’héroïne éponyme ou de Merlin que Franz Hellens s’ingénie à « retourner », Mélusine ébranle nos convictions les plus profondes. À quoi reconnait-on le rêve et la réalité ? Méconnue du grand public, jugée trop novatrice lors de sa première publication en 1920, cette réécriture étonne tant en raison de la densité de son propos que par la poésie des images qu’elle convoque. En prenant en partie le contre-pied de la tendance actuelle qui consiste à appliquer des outils d’analyse modernes à une œuvre ancienne, notre travail se propose d’aborder cette relecture du conte mélusinien dans une perspective médiévalisante. Par le biais de deux hypotextes principaux, le Merlin en prose (début du XIIIe siècle) et Mélusine ou La Noble Histoire des Lusignan de Jean d’Arras (fin du XIVe siècle), notre analyse questionne la part d’innovation et de reprises de ce roman et plus généralement ce qui fait l’originalité d’une œuvre.
« Les femmes qui se parfument doivent être admirées de loin »
Caraion, Marta
« Les femmes qui se parfument doivent être admirées de loin » met en garde le physiognomoniste Jean-Baptiste Delestre dans son ouvrage De la physiognomonie (1866). Ce faisant, il se fait l'écho d'une réalité sociale contemporaine marquée par un double mouvement de méfiance et d'intérêt pour l'odorat et ses divers stimuli, associés à la maladie et à l'animalité tout autant qu'à la séduction et au raffinement. Cette ambiguïté de l'odeur – et plus précisément de l'odeur féminine – se retrouve dans la littérature de la fin du XIXe siècle qui fait de l'odor di femina un thème-clé de son esthétique. A partir de trois romans de cette période – Nana d'Emile Zola, Notre coeur de Guy de Maupassant et L'Eve future d'Auguste de Villiers de l'Isle-Adam – ce mémoire vise à illustrer la façon dont le parfum de la femme est unanimement décrit comme une menace pour les figures masculines, ces dernières engageant une riposte sous la forme d'une réformation des odeurs féminines. Le travail met également en avant la façon dont les notations olfactives deviennent un moyen d'expression privilégié de thématiques complexes chères à la fin-de-siècle, telles que l'hérédité, la sexualité ou encore l'artificialité.
Merlin et la temporalité: analyse comparée de "The Sword in the Stone" de T. H. White et "L'Enchanteur" de René Barjavel
Wahlen, Barbara
La figure médiévale de Merlin émerge dans un contexte littéraire particulier, celui d’Arthur et de ses compagnons de la Table Ronde, qui évoluent dans une fiction caractérisée par une absence d’ancrage temporel. Dans deux réécritures modernes de la légende de Merlin, The Sword in the Stone, de T.H. White, et L’Enchanteur, de René Barjavel, le magicien se fait en partie l’héritier de ce statut atemporel. L’analyse comparée de ces deux textes du XXe siècle permet de mettre en lumière le statut temporel dual de Merlin: s’il est relativement indépendant d’un ordre chronologique, il est toutefois simultanément soumis aux temporalités spécifiques à chacun des récits. Partant, la figure de l’enchanteur constitue à la fois un stéréotype littéraire et un personnage textuel. La confrontation de ces deux récits souligne également en quoi le manque d’ancrage temporel de l’univers fictionnel arthurien favorise les réécritures modernes et permet une «réactualisation» de la légende dans d’autres époques. Enfin, elle met en lumière les divers changements de registre induits par les variations de la temporalité d’un texte à l’autre.
La reine Guenièvre, Morgane la Fée : de l’objet et l’obstacle au statut d’héroïne. Adaptations et représentations des personnages arthuriens au cinéma et dans la bande dessinée internationale
Wahlen, Barbara
Cette étude a pour sujet principal l’étude dans un contexte de théorie des genres de l’adaptation et de la représentation de deux personnages féminins médiévaux au cinéma et dans la bande dessinée : la reine Guenièvre et Morgane la Fée. En effet, une des composantes majeures de ce travail est la contextualisation du personnage féminin médiéval dans une histoire et une politique sociale qui n’ont eu de cesse d’évoluer, engendrant des bouleversements conséquents d’une décennie à l’autre : la montée du féministe et les idées qui en découlent sont tout à fait centraux. Le travail s’axe sur ces deux femmes car il s’agit de figures qui ont su façonner un idéal – entendons par là un fantasme – dans l’imaginaire collectif. Guenièvre est la belle reine de Logres, femme du légendaire roi Arthur et amante de Lancelot. Morgane, quant à elle, a été réduite à travers les siècles à une figure négative. Peu savent qu’elle était, à la base, un personnage positif : il n’en reste que la femme lubrique, mauvaise, rusée et puissante.
Mises en perspective à la fois entre elles, mais aussi avec l’histoire de l’émancipation féminine, Guenièvre et Morgane présentent une part inconnue, nouvelle et fascinante de leur féminité. Le cinéma, théâtre moderne, ainsi que la bande dessinées sont deux lieux d’adaptation et de reproduction particulièrement parlants dans notre société actuelle. Enfants, adultes, tous sont confrontés à ces médias et la force de leurs regards pèsent sur la reine et la fée. Seront-elles alors en adéquation avec ce qu’ils attendent ? Parviennent-elles au statut d'héroïne ?
Après analyse, deux schémas distincts mais qui rejoignent un même but se sont dessinés. Guenièvre, reine de Logres, demeure un objet de quête, un personnage passif avec une portée héroïque moindre voire inexistante. Même dans la série Merlin qui propose une Guenièvre noire, venant d'un milieu pauvre et qui s'élève par ses qualités morales, celle-ci ne reste qu'une raison pour Merlin et Arthur d'agir. Pourtant, on y voit une volonté de la placer au même rang que les protagonistes masculins secondaires, est-ce une réelle amélioration ? Elle demeure toujours un objet de quête, un personnage passif servant de raison aux protagonistes masculins pour agir.
Pour Morgane, le constat est presque le même dans le sens où, son personnage mauvais des textes des clercs médiévaux, ne garde finalement que cette méchanceté, cette duperie et la luxure. Elle n'est jamais dépeinte autrement et en devient presque parodique. Elle pourrait tout aussi bien avoir un autre nom, mais non, il faut que ce soit Morgane tant son nom est associé au mal. Il n'y a bien que dans la bande dessinée où son personnage évolue vers une représentation positive et active de la féminine. Ces deux schémas, pour la reine et pour Morgane, concourent à nous faire comprendre que la femme reste soumise au patriarcat.
La question soulevée dans la conclusion du travail est particulièrement intéressante. Ainsi, ces deux personnages féminins n'obtiennent pas ce statut d'héroïne et reste cantonnés à une représentation de la féminité passive ou dangereuse. Pourtant, il semble exister un terrain fertile pour une émancipation de ces protagonistes féminins et celui-ci se trouve étrangement dans des personnages qui présentent à la fois un côté masculin et un côté féminin : à l'image de Tristan dans Camelot 3000 qui cristallise à lui seule la question du genre et de sa représentation. Tristan est un homme, réincarné dans un corps de femme, doit-il se voir comme une femme ou un homme ? Est-ce le corps ou le genre qui prime ? Qu'en est-il de sa relation avec Iseult ? Est-elle homosexuelle ? Un changement se dessine dans les mentalités, le genre apparait comme quelque chose de fluctuant et on peut espérer que cela soit au profit du féminin. Le personnage de Lancelot dans la BD éponyme présente aussi ce problème de genre. C'est une femme, élevé en pensant qu'elle est un homme, elle n’apprend son vrai nom de héros que lorsqu'elle découvre qu'elle est une femme. Elle ne sait réellement ce qu'elle est, quel est son but ? Etre chevalier : mais elle est une femme, dans un corps d'homme, qui a des désirs d'homme. Toute cette problématique est fort captivante. Elle nous conduit à reconsidérer la question du féminin et du masculin dans ses représentations dans la société et plus les frontières seront floues, plus peut-être, le féminin aura une chance d'échapper à ce patriarcat écrasant.
Ecrire l'espace: le modèle cartographique dans "Un livre blanc" de Philippe Vasset et "Paris, musée du XXIe siècle. Le dixième arrodissement" de Thomas Clerc
Zanghi, Filippo
Ce mémoire examine les liens entre littérature et cartographie et interroge la possibilité d’un objet hybride, entre carte et texte. Après une mise en parallèle des caractéristiques formelles et fonctionnelles de la carte et du texte, l’analyse de deux récits de la littérature française contemporaine montre de quelle manière les liens et limites entre cartographie et littérature sont exploités par les auteurs pour proposer une représentation de l’espace qui tienne à la fois de la carte et du texte. L’analyse permet enfin de souligner ce que la littérature peut tirer du modèle cartographique et ce que ses caractéristiques peuvent apporter à la géographie.
Identités en construction dans le "Journal" de Charles Juliet
Rodriguez, Antonio
Ce mémoire cherche à étudier l’oeuvre d'une vie dont la construction identitaire est le point d'orgue.
Charles Juliet propose dans son "Journal" une forme nouvelle de diarisme. Tout d'abord dans sa
manière d'aborder la notion d'intimité, mais aussi dans celle d'intégrer le lecteur à cette forme
d'écriture de soi. Il semble en effet que le journal d'un seul homme devienne au fil des publications
le fruit d'une perpétuelle réflexion collective. La théorie littéraire concernant le journal intime,
l'utilisation des notions d'intimité et d'extimité, ainsi que l'analyse détaillée des sept volumes allant
de 1957 à 2003 chercheront à étayer ces hypothèses.
Le Cinématographe et les poètes modernistes Paris : 1905-1917 Apollinaire, Cendrars, Jacob
Rodriguez, Antonio et Turquety, Benoît
En considérant les œuvres poétiques de Guillaume Apollinaire, de Max Jacob et de Blaise Cendrars, trois poètes pouvant être apparentés à la génération ayant vécu l’essor industriel du cinéma des premiers temps, ce travail propose de discuter dans quelles mesures ce nouveau divertissement a influencé le renouvellement moderniste de la forme poétique à Paris au début du XXème siècle, dans une perspective interdisciplinaire. L’hypothèse selon laquelle ces spectacles faisaient partie des plaisirs et des pratiques culturelles de ces trois poètes dès avant la Première Guerre mondiale sera discutée et stabilisée dans sa dimension historique et historiographique, compte tenu du statut singulier du cinématographe avant son institutionnalisation et avant qu’il ait été défendu comme un art autonome vers la fin des années 1910. Bien que la conférence d’Apollinaire de 1917, L’esprit nouveau et les poètes, a pu être considérée comme un déclencheur des rapports entre poésie et cinéma, il est cependant possible de dégager un corpus de dix poèmes susceptibles d’avoir été conçus et écrits avant cette date et où figurent des occurrences du terme « cinéma ». L’analyse textuelle et discursive de ces poèmes visera ensuite à déterminer de quelles façons la réalité de ces spectacles y est évoquée, en constituant de fait quelques nouveautés pour l’imagination.
La vie hors genre : récits biographiques, romanesques et hybrides chez Pierre Assouline.
Rodriguez, Antonio
De par la régularité de ses publications depuis une trentaine d’années et son questionnement des genres romanesques et biographiques, Pierre Assouline s’affirme, selon nous, comme un auteur phare du champ littéraire français contemporain. Au sein de la production littéraire variée de cet auteur, une biographie semble appeler la rédaction d’un roman, et les œuvres romanesques intègrent de multiples récits de vies. Au cours de ce travail, nous avons tenté de déterminer le but de la recherche littéraire de Pierre Assouline depuis plus de trente ans. Pour ce faire, nous avons tout d’abord étudié sa vision du roman et de la biographie en mettant en écho sa pratique des deux genres avec d’autres innovations génériques contemporaines. En parallèle, ce travail examine aussi les points forts de la production romanesque d’Assouline et la manière dont celle-ci permet de combler les « frustrations » du biographe. Cette traversée d’une œuvre à travers ses genres permet de questionner les limites du biographique selon Pierre Assouline et de dégager les apports du roman au sein de son projet. Nous avons aussi considéré les variations de temps et d’espace mises en place par l’auteur dans ses textes de fiction, qui influent considérablement sur le point de vue qui s’en dégage et démontrent la liberté de l’écrivain et les jeux auxquels il s’adonne. Enfin, nous avons abordé la question de la faute morale et de la responsabilité individuelle ou collective, qui est présente dans toute l’œuvre assoulinienne, afin de souligner la dimension éthique sous-jacente à ses écrits. La section conclusive propose quant à elle une ouverture sur l’ « identité narrative » se dégageant des textes analysés au cours de ce travail. Une image de l’auteur est en effet forgée à travers l’écriture de ses différents ouvrages qui, bien que mettant en scène l’observation constante des autres, révèlent surtout l’enquêteur et ses propres fantômes.
Outsider de l'édition - Bertil Galland et les Cahiers de la Renaissance vaudoise (1952-1972)
Maggetti, Daniel
En Suisse romande, les années 1960-70 connaissent une remarquable vitalité culturelle. L'un des acteurs majeurs de cette période est Bertil Galland. En 1960, ce secrétaire syndical, et futur journaliste, reprend les Cahiers de la Renaissance vaudoise - publication moribonde émanant de la Ligue vaudoise, un mouvement d'inspiration maurrassienne - et en fait, en quelques années, l'une des maisons d'édition francophones les plus dynamiques du moment. Il y publie notamment Corinna Bille, Jacques Chessex, Maurice Chappaz, Nicolas Bouvier. Afin de comprendre les modalités de ce succès, ce travail revient sur le parcours de Bertil Galland dans les années 50, de ses voyages au long cours à ses relations avec la Ligue vaudoise, et notamment son chef, Marcel Regamey.
La monstration: un aspect de la théâtralité dans l'oeuvre romanesque de Sony Labou Tansi
Le Quellec Cottier, Christine
Ce mémoire propose d’aborder la notion de monstration comme un aspect de la théâtralité dans trois œuvres de l’auteur congolais Sony Labou Tansi (1947-1995) : deux romans (L’Anté-peuple, 1976 / La Vie et demie, 1979) et un texte dramatique (La Parenthèse de sang, 1981). Cette notion, qui renvoie au verbe « montrer » (monstrare) et au mot « monstre » (monstrum), implique d’une part l’acte de montrer. D’autre part, il évoque l’idée de l’exhibition du monstre, pratique courante dans les foires à partir du XVème siècle. À travers l’analyse des personnages aux physiques et aux comportements monstrueux caractéristiques des œuvres de Sony Labou Tansi, ce travail cherche à identifier les matrices textuelles de « représentativité » en premier lieu dans un texte dramatique, puis dans un autre genre littéraire : le roman. En partant de ces analyses, l’enjeu consiste à interroger l’impact que ce mélange des genres peut avoir sur le lecteur qui, en présence de traces monstratives, est placé dans la position de spectateur.
Un héros problématique : Solal amoureux ou l’imaginaire de la masculinité dans Belle du Seigneur d’Albert Cohen
Cordonier, Noël
Dans son grand roman d'amour Belle du Seigneur, Albert Cohen met en scène un héros juif, Solal, qui porte un regard étonnant sur sa propre virilité et son engagement dans la relation amoureuse.
Comment l'imaginaire de la masculinité se déploie-t-il dans le prisme d'un XXe siècle qui questionne si violemment la notion même d'humanité?
Les "conquêtes de l'art théâtral": le roman dramatique selon Lacretelle et Laclos
Michel, Lise
Le sujet central de ce mémoire porte sur le "Roman dramatique" de Pierre Louis Lacretelle. Paru en 1802 - mais se rattachant à une esthétique plus proche de celle de la seconde moitié du XVIIIe siècle - cet ouvrage consiste en un mélange très homogène entre différentes caractéristiques du roman et du théâtre, visant ainsi à dépasser les limites et les règles qui sont habituellement imposées à chacun de ces deux genres. S'inscrivant ainsi dans la lignée de Diderot, et visant non seulement à élargir les possibilités d'un théâtre peinant à s'émanciper de certaines normes classiques encore en vigueur, mais également à participer au renouvellement du genre romanesque, Pierre Louis Lacretelle entreprend donc une expérience aussi originale qu'ambitieuse.
L’intérêt de la démarche de Lacretelle réside principalement dans sa volonté de ne pas simplement emprunter des attributs d’un genre pour enrichir l’autre (comme cela s’est vu durant tout le XVIIIe siècle), mais de tenter de les combiner, sans que l’un des deux ne domine, pour en faire un genre nouveau. Il y a pour lui « des points où [roman et théâtre] s’unissent », c’est à dire où ils convergent et partagent des affinités profondes. Le potentiel novateur de cette idée provient du fait qu’elle implique un lien étroit entre deux genres qu’on a jusqu’à ce moment toujours présentés comme antagonistes.
Cette mixité offre également l’avantage de permettre au public de recevoir l’ouvrage de différentes manières ; soit comme un texte à lire (roman ou théâtre), soit comme une pièce à voir en représentation. Lacretelle joue amplement sur cette dernière possibilité et ne rejette pas l’idée de voir son ouvrage transposé à la scène. Choderlos de Laclos, qui rédige en 1803, une année à peine après la première parution (supposée) du "Roman dramatique", ses "Observations du général Laclos sur le roman théâtral de M. Lacretelle aîné", semble quant à lui porter un regard bienveillant vis-à-vis de l’expérience entreprise par Lacretelle. Laclos décède malheureusement avant de pouvoir revoir et terminer son texte, et Lacretelle prendra donc le temps, dans une démarche fort intéressante et déterminante pour le présent travail, de terminer lui-même les "Observations" dans son édition de 1824 du "Roman théâtral", et d’y ajouter tout un appareil critique autant sur son œuvre que sur le théâtre de son temps.
Ces trois textes sont donc au cœur de la réflexion présentée dans ce travail, visant à étudier dans quelle mesure le "Roman dramatique" de Lacretelle parvient à accorder les genres romanesque et dramatique, pour allier leurs avantages et pallier leurs défauts respectifs. Si l'auteur laisse souvent planer le doute quant à son ambition de faire représenter son ouvrage (en particulier dans la Préface et les textes de 1802), nous verrons qu'il prend en considération, dans la construction de son texte, aussi bien les lecteurs que les éventuels spectateurs du "Jeune Malherbe ou le fils naturel". Nous tenterons de déterminer, au vu des entorses faites aux règles des deux genres, de quelle manière Lacretelle parvient à tisser, à partir d'éléments hétérogènes, un ouvrage si unifié.
Ce travail porte sur les liens unissant la poétique d’Emil Cioran, écrivain et penseur essentiel du XXe siècle, avec certaines de ses postures dans son œuvre francophone. Nous avons dégagé quatre pôles autour desquels se développe la poétique française de Cioran : 1) une vision critique du langage, 2) un impact stylistique et éthique du changement de sa langue d’expression littéraire, 3) une conception de ce que doit être un style français, et 4) le refus de la part de notre auteur d’assumer quelque degré d’auctorité que ce soit. Or, dans l’autoreprésentation produite par les gloses de Cioran, la question de la posture paraît essentielle.
Nous avons ensuite pu développer une étude des figures auctoriales forgées par notre penseur. Le lien au langage et l’expression littéraire comme production valorisée par la souffrance ont conduit à l’évocation du dandy et du poète maudit, deux ethè toutefois non spécifiquement créés par la poétique française de Cioran. Il nous restait encore à analyser ses postures spécifiquement francophones : celles du sage dont l’écriture institue une praxis philosophique et existentielle, de l’écrivain français traditionnel reprenant une idée patrimonialisée et classique de ce en quoi consisterait une littérarité proprement francophone, et du penseur libertaire dont l’action consiste à investir l’auctorité textuelle pour la détruire et par là même lutter contre l’autorité délétère des idéologies politiques. Quoi qu’il en soit, Cioran laisse son lecteur libre d’interpréter la part d’implicite et de silence qu’il entretient sciemment dans ses aphorismes – se montrant finalement autant écrivain que penseur.
Délocaliser la littérature : le blog d'Éric Chevillard (2007-2011)
Meizoz, Jérôme
le 18 septembre 2007, Éric Chevillard étrennait son blog (baptisé "L’autofictif ") par la publication de trois aphorismes. En 2015, le projet est toujours actif avec la seule contrainte de produire chaque jour trois nouveaux fragments. Riche aujourd'hui de plusieurs milliers d'aphorisme, ce blog littéraire ne peut qu'étonner et interroger nos habitudes littéraires dédiées peut-être trop souvent au genre romanesque. Les chercheurs qui s'intéressent à cet embryon de phénomène notent « un retour en force du “je” [qui] s’énonc[e] à travers une large variété de thèmes, de styles et d’approches » (voir Christèle Couleau et Pascale Hellégouarc’h (dir.), Les blogs. Écritures d’un nouveau genre, Paris, L’Harmattan, 2010, p. 7.) Cette diversité (littéraire) rendue possible conjointement par ce «"retour du "je"» et l'usage de l'écriture fragmentaire m'a poussé à penser ce support comme un espace où il est possible de s'exprimer en toute liberté sur des considérations littéraires idiosyncrasiques. J'ai donc organisé cette abondante matière numérique dans le but de décrire ce que l'on peut appeler une poétique, c'est-à-dire le regard singulier et personnel que porte Chevillard sur la littérature. L'hypothèse que, par le blog, se dessine les linéaments d'une conception originale et personnelle de la littérature.
Les notions de norme et de marge questionnées par Michel Tremblay dans 'Les Cahiers de Céline'
Le Quellec Cottier, Christine
Ce mémoire est consacré à une trilogie romanesque de Michel Tremblay, 'Les Cahiers de Céline'. Nous avons choisi d’analyser le message sous-jacent de l’auteur, qui révèle une remise en question des notions de norme et de marge. Son questionnement touche de nombreux domaines, nous avons donc choisi de faire une étude narratologique des textes, une analyse linguistique, et un examen sociologique. L’étude narratologique révèle un jeux auctorial concernant les codes génériques dont la distinction n’est plus possible, ces romans pouvant se lire comme des journaux intimes, des autobiographies, des mémoires, des biographies, ou des récits fictionnels. L’analyse linguistique se concentre sur la place du français au Québec, ainsi que sur le combat des écrivains francophones pour promouvoir cette langue. Enfin, l’examen sociologique relève les normes en usage au Québec selon les époques, et les comportements considérés comme marginaux.
L’utilisation de l’aphorisme dans Une si longue lettre, Le Baobab fou et La Saison de l’ombre.
Le Quellec Cottier, Christine
La présence de l’aphorisme – énoncé bref, thétique et gnomique – marque une certaine tension dans trois romans de la littérature africaine francophone (Une si longue lettre, Le Baobab fou et La Saison de l’ombre) écrits par des femmes d’origine sénégalaise et camerounaise, à savoir Mariama Bâ, Ken Bugul et Léonora Miano. En effet, l’apparition régulière de cette forme stylistique à structure syntaxique fixe à l’intérieur de trois textes qui mettent en scène l’instabilité identitaire engendre un paradoxe : elle vise à figer quelque chose au coeur même d’un questionnement sur le rapport à soi et à l’autre. Notre travail vise à démontrer qu’il existe un lien concret entre les diverses intentionnalités relatives à l’utilisation de l’aphorisme dans les textes et la question de l’identité problématique du sujet colonial et postcolonial.
L'actualisation politique par la mise en scène : le cas de l'Antigone de Sophocle
Escola, Marc
En amont de la présente étude, il y a l’envie d’un metteur en scène contemporain d’aborder la tragédie grecque, et plus précisément l’Antigone de Sophocle. Quel est le résultat de cette rencontre et comment, en partant du texte grec, construit-on un spectacle qui fait sens pour un public d’aujourd’hui ?
« Une mise en scène n’est jamais neutre ; c’est une illusion de croire qu’on peut laisser une pièce s’exprimer toute seule. Toujours, il s’agit d’un choix. À plus forte raison dans le cas d’une œuvre ancienne, ou antique », déclarait Antoine Vitez en 1966, au sujet de sa mise en scène d’Électre. La notion de choix est précisément ce qui nous intéresse ici : par l’analyse de trois mises en scène récentes ayant pour base le texte de Sophocle traduit, celles de Paulo Correia (2009, Théâtre National de Nice), d’Adel Hakim (2011, Théâtre des Quartiers d’Ivry/Théâtre National Palestinien) et de Polly Findlay (2012, National Theatre de Londres), ce mémoire propose de s’interroger sur les directions interprétatives qui découlent d’une rencontre entre un lecteur contemporain et un texte ancien, sur le processus de transformation/traduction qui s’active lors du passage du texte à la scène et sur la signification des différents choix de mises en scène. Le tout s’articule autour du phénomène d’actualisation, qui dans ce cas précis est en lien étroit avec la question politique.
Ce mémoire a pour objectif d’étudier le bestornement des motifs courtois dans Joufroi de Poitiers, roman d’aventure du XIIIe siècle qui n’a guère eu le succès qu’il mériterait. Il y est question d’appréhender le bestornement comme un art du renversement qui permet de questionner la tradition. Ainsi, avons-nous observé Joufroi, héros éponyme, qui « renverse » véritablement son monde : il s’éprend de quatre dames différentes, en épouse deux, instrumentalise la religion, entreprend des « compétitions de largesse » et recherche uniquement la gratification sexuelle. Or, cette sexualisation du monde, qui transgresse les valeurs maitresses de la société féodale, censées être incarnée par la chevalerie, contamine jusqu'à la narration même de l’œuvre : placé pourtant sous la protection d’Amour, le narrateur ne tarde à se répandre en plaintes, au point que son omniprésence mine la fiction. Le récit de Joufroi devient ainsi l’illustration de deux stratégies de séduction différentes : l’une est victorieuse (Joufroi), puisqu’elle amène le rire et la jouissance des corps, tandis que l’autre (le narrateur) est malheureuse, car sans résultat. Séduit par les “exploits” du héros, le lecteur est alors poussé à préférer l’immoralité du comte/conte. C’est cette question de la démythification de la chevalerie et de la faillite des valeurs courtoises qui est au cœur même de notre analyse de Joufroi de Poitiers.
A l'âge "où les belles couleurs passent": la figure de la jeune fille dans les romans de C.F. Ramuz
Maggetti, Daniele
La figure de la "jeune fille" est un élément incontournable de l'œuvre romanesque de C.F. Ramuz, et pourtant que ponctuellement examinée par la critique de manière précise et spécifique. Nous nous sommes proposé, dans la présente étude, d'observer ce type de personnage particulier dans les romans de l'écrivain vaudois parus dans la dernière édition de ses Oeuvres complètes, entre 2011 et 2013.
Des fonctions assumées par la "jeune fille" au sein des intrigues, au traitement réservé à cette figure par l'auteur, il s'avère certain au terme de notre parcours que ce personnage occupe une place singulière dans le corps féminin des protagonistes de l'œuvre ramuzienne. Tantôt adjuvante ou opposante aux aspirations d'un héros, tantôt sainte salvatrice pour une communauté, ou encore commère frivole en arrière-plan du récit, la jeune fille est aussi une héroïne au centre de ce dernier, confrontée aux épreuves et aux aléas de l'existence au même titre que son équivalent masculin. Sous le regard quelquefois moqueur, plus volontiers encore attendri du narrateur, elle constitue en outre une exception notable dans la considération, globalement négative, que Ramuz réserve dans son opus aux personnages féminins.
Du tombeau à la création romanesque : l'esplumoir Merlin dans les réécritures contemporaines de Jacques Roubaud et Florence Delay, d'Elsa Solal et de Michel Rio
Wahlen, Barbara
Cette étude porte sur les représentations modernes du mystérieux esplumoir que Merlin crée à la fin du Perceval en prose, roman médiéval attribué au pseudo-Robert de Boron au XIIIe siècle. Il s’agit d’analyser les potentialités d’expression et d’actualisation que revêt ce lieu au sein des réécritures contemporaines suivantes : le cycle du Graal théâtre, composé par Jacques Roubaud et Florence Delay, la pièce Armor d’Elsa Solal, ainsi que la trilogie de Michel Rio, composé des romans Merlin, Morgane et Arthur, leur refonte en un seul volume intitulé Merlin ou le faiseur de rois, auxquels s’ajoute finalement le roman La Terre Gaste, toujours du même auteur.
En prenant appui sur les principales versions médiévales mettant en scène la fin de Merlin, l’on s’intéresse à faire dialoguer les emplois et fonctions propres à ce lieu avec la thématique du tombeau ainsi qu’à éclairer les portées nouvelles attribuées à l’esplumoir dans les réécritures contemporaines. Cet essai se construit autour des trois questions suivantes : Quels traits ont en commun les esplumoirs décrits dans le corpus et les tombeaux médiévaux de Merlin ? Comment les écrivains contemporains réussissent-ils à combler les mystères autour de l’esplumoir tout en lui donnant corps de manière moderne ? Et finalement, quelles nouvelles significations revêtent ces esplumoirs contemporains ?
L’esplumoir moderne se nourrit des variantes médiévales de la disparition de l’enchanteur en devenant un espace des morts. Cette fonction funéraire se construit à la fois dans le souci de conserver la mémoire, qui s’incarne, dans les œuvres contemporaines, dans un lieu de savoir, tel une bibliothèque ou une encyclopédie, et à la fois, dans la représentation de l’acte de création, en particulier littéraire.
Le mémoire porte sur l’œuvre romanesque de Christian Gailly, auteur contemporain encore peu étudié. Christian Gailly, qui a publié tous ses textes aux Éditions de Minuit, est souvent associé au groupe des «minimalistes» ou des «impassibles». Parvenu à l'écriture en «désespoir de cause», selon ses propres dires, l'écrivain ne cesse d’évoquer à longueur d’entretiens son salut obtenu grâce à l’écriture, tout en précisant que ce salut demeurerait profondément dérisoire. Nous sommes partie de cette posture d’écrivain pour analyser l'ensemble de son œuvre romanesque, composée de quatorze romans publiés de 1987 à 2010. Tout en proposant une classification de l’œuvre par cycles et une typologie des personnages, nous avons tenté de dégager la singularité de cette écriture et de comprendre les mutations et les tensions d’une œuvre informée de plus en plus profondément par cette téléologie du salut dérisoire. Nous avons également dégagé la notion de «romanesque dérisoire» qui, jouant du romanesque et du non-romanesque, permet de caractériser le réenchantement d’une littérature de l’hypermodernité.