Merlin et la temporalité: analyse comparée de "The Sword in the Stone" de T. H. White et "L'Enchanteur" de René Barjavel
Wahlen, Barbara
La figure médiévale de Merlin émerge dans un contexte littéraire particulier, celui d’Arthur et de ses compagnons de la Table Ronde, qui évoluent dans une fiction caractérisée par une absence d’ancrage temporel. Dans deux réécritures modernes de la légende de Merlin, The Sword in the Stone, de T.H. White, et L’Enchanteur, de René Barjavel, le magicien se fait en partie l’héritier de ce statut atemporel. L’analyse comparée de ces deux textes du XXe siècle permet de mettre en lumière le statut temporel dual de Merlin: s’il est relativement indépendant d’un ordre chronologique, il est toutefois simultanément soumis aux temporalités spécifiques à chacun des récits. Partant, la figure de l’enchanteur constitue à la fois un stéréotype littéraire et un personnage textuel. La confrontation de ces deux récits souligne également en quoi le manque d’ancrage temporel de l’univers fictionnel arthurien favorise les réécritures modernes et permet une «réactualisation» de la légende dans d’autres époques. Enfin, elle met en lumière les divers changements de registre induits par les variations de la temporalité d’un texte à l’autre.
La reine Guenièvre, Morgane la Fée : de l’objet et l’obstacle au statut d’héroïne. Adaptations et représentations des personnages arthuriens au cinéma et dans la bande dessinée internationale
Wahlen, Barbara
Cette étude a pour sujet principal l’étude dans un contexte de théorie des genres de l’adaptation et de la représentation de deux personnages féminins médiévaux au cinéma et dans la bande dessinée : la reine Guenièvre et Morgane la Fée. En effet, une des composantes majeures de ce travail est la contextualisation du personnage féminin médiéval dans une histoire et une politique sociale qui n’ont eu de cesse d’évoluer, engendrant des bouleversements conséquents d’une décennie à l’autre : la montée du féministe et les idées qui en découlent sont tout à fait centraux. Le travail s’axe sur ces deux femmes car il s’agit de figures qui ont su façonner un idéal – entendons par là un fantasme – dans l’imaginaire collectif. Guenièvre est la belle reine de Logres, femme du légendaire roi Arthur et amante de Lancelot. Morgane, quant à elle, a été réduite à travers les siècles à une figure négative. Peu savent qu’elle était, à la base, un personnage positif : il n’en reste que la femme lubrique, mauvaise, rusée et puissante.
Mises en perspective à la fois entre elles, mais aussi avec l’histoire de l’émancipation féminine, Guenièvre et Morgane présentent une part inconnue, nouvelle et fascinante de leur féminité. Le cinéma, théâtre moderne, ainsi que la bande dessinées sont deux lieux d’adaptation et de reproduction particulièrement parlants dans notre société actuelle. Enfants, adultes, tous sont confrontés à ces médias et la force de leurs regards pèsent sur la reine et la fée. Seront-elles alors en adéquation avec ce qu’ils attendent ? Parviennent-elles au statut d'héroïne ?
Après analyse, deux schémas distincts mais qui rejoignent un même but se sont dessinés. Guenièvre, reine de Logres, demeure un objet de quête, un personnage passif avec une portée héroïque moindre voire inexistante. Même dans la série Merlin qui propose une Guenièvre noire, venant d'un milieu pauvre et qui s'élève par ses qualités morales, celle-ci ne reste qu'une raison pour Merlin et Arthur d'agir. Pourtant, on y voit une volonté de la placer au même rang que les protagonistes masculins secondaires, est-ce une réelle amélioration ? Elle demeure toujours un objet de quête, un personnage passif servant de raison aux protagonistes masculins pour agir.
Pour Morgane, le constat est presque le même dans le sens où, son personnage mauvais des textes des clercs médiévaux, ne garde finalement que cette méchanceté, cette duperie et la luxure. Elle n'est jamais dépeinte autrement et en devient presque parodique. Elle pourrait tout aussi bien avoir un autre nom, mais non, il faut que ce soit Morgane tant son nom est associé au mal. Il n'y a bien que dans la bande dessinée où son personnage évolue vers une représentation positive et active de la féminine. Ces deux schémas, pour la reine et pour Morgane, concourent à nous faire comprendre que la femme reste soumise au patriarcat.
La question soulevée dans la conclusion du travail est particulièrement intéressante. Ainsi, ces deux personnages féminins n'obtiennent pas ce statut d'héroïne et reste cantonnés à une représentation de la féminité passive ou dangereuse. Pourtant, il semble exister un terrain fertile pour une émancipation de ces protagonistes féminins et celui-ci se trouve étrangement dans des personnages qui présentent à la fois un côté masculin et un côté féminin : à l'image de Tristan dans Camelot 3000 qui cristallise à lui seule la question du genre et de sa représentation. Tristan est un homme, réincarné dans un corps de femme, doit-il se voir comme une femme ou un homme ? Est-ce le corps ou le genre qui prime ? Qu'en est-il de sa relation avec Iseult ? Est-elle homosexuelle ? Un changement se dessine dans les mentalités, le genre apparait comme quelque chose de fluctuant et on peut espérer que cela soit au profit du féminin. Le personnage de Lancelot dans la BD éponyme présente aussi ce problème de genre. C'est une femme, élevé en pensant qu'elle est un homme, elle n’apprend son vrai nom de héros que lorsqu'elle découvre qu'elle est une femme. Elle ne sait réellement ce qu'elle est, quel est son but ? Etre chevalier : mais elle est une femme, dans un corps d'homme, qui a des désirs d'homme. Toute cette problématique est fort captivante. Elle nous conduit à reconsidérer la question du féminin et du masculin dans ses représentations dans la société et plus les frontières seront floues, plus peut-être, le féminin aura une chance d'échapper à ce patriarcat écrasant.
Ecrire l'espace: le modèle cartographique dans "Un livre blanc" de Philippe Vasset et "Paris, musée du XXIe siècle. Le dixième arrodissement" de Thomas Clerc
Zanghi, Filippo
Ce mémoire examine les liens entre littérature et cartographie et interroge la possibilité d’un objet hybride, entre carte et texte. Après une mise en parallèle des caractéristiques formelles et fonctionnelles de la carte et du texte, l’analyse de deux récits de la littérature française contemporaine montre de quelle manière les liens et limites entre cartographie et littérature sont exploités par les auteurs pour proposer une représentation de l’espace qui tienne à la fois de la carte et du texte. L’analyse permet enfin de souligner ce que la littérature peut tirer du modèle cartographique et ce que ses caractéristiques peuvent apporter à la géographie.
Identités en construction dans le "Journal" de Charles Juliet
Rodriguez, Antonio
Ce mémoire cherche à étudier l’oeuvre d'une vie dont la construction identitaire est le point d'orgue.
Charles Juliet propose dans son "Journal" une forme nouvelle de diarisme. Tout d'abord dans sa
manière d'aborder la notion d'intimité, mais aussi dans celle d'intégrer le lecteur à cette forme
d'écriture de soi. Il semble en effet que le journal d'un seul homme devienne au fil des publications
le fruit d'une perpétuelle réflexion collective. La théorie littéraire concernant le journal intime,
l'utilisation des notions d'intimité et d'extimité, ainsi que l'analyse détaillée des sept volumes allant
de 1957 à 2003 chercheront à étayer ces hypothèses.
Le Cinématographe et les poètes modernistes Paris : 1905-1917 Apollinaire, Cendrars, Jacob
Rodriguez, Antonio et Turquety, Benoît
En considérant les œuvres poétiques de Guillaume Apollinaire, de Max Jacob et de Blaise Cendrars, trois poètes pouvant être apparentés à la génération ayant vécu l’essor industriel du cinéma des premiers temps, ce travail propose de discuter dans quelles mesures ce nouveau divertissement a influencé le renouvellement moderniste de la forme poétique à Paris au début du XXème siècle, dans une perspective interdisciplinaire. L’hypothèse selon laquelle ces spectacles faisaient partie des plaisirs et des pratiques culturelles de ces trois poètes dès avant la Première Guerre mondiale sera discutée et stabilisée dans sa dimension historique et historiographique, compte tenu du statut singulier du cinématographe avant son institutionnalisation et avant qu’il ait été défendu comme un art autonome vers la fin des années 1910. Bien que la conférence d’Apollinaire de 1917, L’esprit nouveau et les poètes, a pu être considérée comme un déclencheur des rapports entre poésie et cinéma, il est cependant possible de dégager un corpus de dix poèmes susceptibles d’avoir été conçus et écrits avant cette date et où figurent des occurrences du terme « cinéma ». L’analyse textuelle et discursive de ces poèmes visera ensuite à déterminer de quelles façons la réalité de ces spectacles y est évoquée, en constituant de fait quelques nouveautés pour l’imagination.
La vie hors genre : récits biographiques, romanesques et hybrides chez Pierre Assouline.
Rodriguez, Antonio
De par la régularité de ses publications depuis une trentaine d’années et son questionnement des genres romanesques et biographiques, Pierre Assouline s’affirme, selon nous, comme un auteur phare du champ littéraire français contemporain. Au sein de la production littéraire variée de cet auteur, une biographie semble appeler la rédaction d’un roman, et les œuvres romanesques intègrent de multiples récits de vies. Au cours de ce travail, nous avons tenté de déterminer le but de la recherche littéraire de Pierre Assouline depuis plus de trente ans. Pour ce faire, nous avons tout d’abord étudié sa vision du roman et de la biographie en mettant en écho sa pratique des deux genres avec d’autres innovations génériques contemporaines. En parallèle, ce travail examine aussi les points forts de la production romanesque d’Assouline et la manière dont celle-ci permet de combler les « frustrations » du biographe. Cette traversée d’une œuvre à travers ses genres permet de questionner les limites du biographique selon Pierre Assouline et de dégager les apports du roman au sein de son projet. Nous avons aussi considéré les variations de temps et d’espace mises en place par l’auteur dans ses textes de fiction, qui influent considérablement sur le point de vue qui s’en dégage et démontrent la liberté de l’écrivain et les jeux auxquels il s’adonne. Enfin, nous avons abordé la question de la faute morale et de la responsabilité individuelle ou collective, qui est présente dans toute l’œuvre assoulinienne, afin de souligner la dimension éthique sous-jacente à ses écrits. La section conclusive propose quant à elle une ouverture sur l’ « identité narrative » se dégageant des textes analysés au cours de ce travail. Une image de l’auteur est en effet forgée à travers l’écriture de ses différents ouvrages qui, bien que mettant en scène l’observation constante des autres, révèlent surtout l’enquêteur et ses propres fantômes.
Outsider de l'édition - Bertil Galland et les Cahiers de la Renaissance vaudoise (1952-1972)
Maggetti, Daniel
En Suisse romande, les années 1960-70 connaissent une remarquable vitalité culturelle. L'un des acteurs majeurs de cette période est Bertil Galland. En 1960, ce secrétaire syndical, et futur journaliste, reprend les Cahiers de la Renaissance vaudoise - publication moribonde émanant de la Ligue vaudoise, un mouvement d'inspiration maurrassienne - et en fait, en quelques années, l'une des maisons d'édition francophones les plus dynamiques du moment. Il y publie notamment Corinna Bille, Jacques Chessex, Maurice Chappaz, Nicolas Bouvier. Afin de comprendre les modalités de ce succès, ce travail revient sur le parcours de Bertil Galland dans les années 50, de ses voyages au long cours à ses relations avec la Ligue vaudoise, et notamment son chef, Marcel Regamey.
La monstration: un aspect de la théâtralité dans l'oeuvre romanesque de Sony Labou Tansi
Le Quellec Cottier, Christine
Ce mémoire propose d’aborder la notion de monstration comme un aspect de la théâtralité dans trois œuvres de l’auteur congolais Sony Labou Tansi (1947-1995) : deux romans (L’Anté-peuple, 1976 / La Vie et demie, 1979) et un texte dramatique (La Parenthèse de sang, 1981). Cette notion, qui renvoie au verbe « montrer » (monstrare) et au mot « monstre » (monstrum), implique d’une part l’acte de montrer. D’autre part, il évoque l’idée de l’exhibition du monstre, pratique courante dans les foires à partir du XVème siècle. À travers l’analyse des personnages aux physiques et aux comportements monstrueux caractéristiques des œuvres de Sony Labou Tansi, ce travail cherche à identifier les matrices textuelles de « représentativité » en premier lieu dans un texte dramatique, puis dans un autre genre littéraire : le roman. En partant de ces analyses, l’enjeu consiste à interroger l’impact que ce mélange des genres peut avoir sur le lecteur qui, en présence de traces monstratives, est placé dans la position de spectateur.
Un héros problématique : Solal amoureux ou l’imaginaire de la masculinité dans Belle du Seigneur d’Albert Cohen
Cordonier, Noël
Dans son grand roman d'amour Belle du Seigneur, Albert Cohen met en scène un héros juif, Solal, qui porte un regard étonnant sur sa propre virilité et son engagement dans la relation amoureuse.
Comment l'imaginaire de la masculinité se déploie-t-il dans le prisme d'un XXe siècle qui questionne si violemment la notion même d'humanité?
Les "conquêtes de l'art théâtral": le roman dramatique selon Lacretelle et Laclos
Michel, Lise
Le sujet central de ce mémoire porte sur le "Roman dramatique" de Pierre Louis Lacretelle. Paru en 1802 - mais se rattachant à une esthétique plus proche de celle de la seconde moitié du XVIIIe siècle - cet ouvrage consiste en un mélange très homogène entre différentes caractéristiques du roman et du théâtre, visant ainsi à dépasser les limites et les règles qui sont habituellement imposées à chacun de ces deux genres. S'inscrivant ainsi dans la lignée de Diderot, et visant non seulement à élargir les possibilités d'un théâtre peinant à s'émanciper de certaines normes classiques encore en vigueur, mais également à participer au renouvellement du genre romanesque, Pierre Louis Lacretelle entreprend donc une expérience aussi originale qu'ambitieuse.
L’intérêt de la démarche de Lacretelle réside principalement dans sa volonté de ne pas simplement emprunter des attributs d’un genre pour enrichir l’autre (comme cela s’est vu durant tout le XVIIIe siècle), mais de tenter de les combiner, sans que l’un des deux ne domine, pour en faire un genre nouveau. Il y a pour lui « des points où [roman et théâtre] s’unissent », c’est à dire où ils convergent et partagent des affinités profondes. Le potentiel novateur de cette idée provient du fait qu’elle implique un lien étroit entre deux genres qu’on a jusqu’à ce moment toujours présentés comme antagonistes.
Cette mixité offre également l’avantage de permettre au public de recevoir l’ouvrage de différentes manières ; soit comme un texte à lire (roman ou théâtre), soit comme une pièce à voir en représentation. Lacretelle joue amplement sur cette dernière possibilité et ne rejette pas l’idée de voir son ouvrage transposé à la scène. Choderlos de Laclos, qui rédige en 1803, une année à peine après la première parution (supposée) du "Roman dramatique", ses "Observations du général Laclos sur le roman théâtral de M. Lacretelle aîné", semble quant à lui porter un regard bienveillant vis-à-vis de l’expérience entreprise par Lacretelle. Laclos décède malheureusement avant de pouvoir revoir et terminer son texte, et Lacretelle prendra donc le temps, dans une démarche fort intéressante et déterminante pour le présent travail, de terminer lui-même les "Observations" dans son édition de 1824 du "Roman théâtral", et d’y ajouter tout un appareil critique autant sur son œuvre que sur le théâtre de son temps.
Ces trois textes sont donc au cœur de la réflexion présentée dans ce travail, visant à étudier dans quelle mesure le "Roman dramatique" de Lacretelle parvient à accorder les genres romanesque et dramatique, pour allier leurs avantages et pallier leurs défauts respectifs. Si l'auteur laisse souvent planer le doute quant à son ambition de faire représenter son ouvrage (en particulier dans la Préface et les textes de 1802), nous verrons qu'il prend en considération, dans la construction de son texte, aussi bien les lecteurs que les éventuels spectateurs du "Jeune Malherbe ou le fils naturel". Nous tenterons de déterminer, au vu des entorses faites aux règles des deux genres, de quelle manière Lacretelle parvient à tisser, à partir d'éléments hétérogènes, un ouvrage si unifié.
Ce travail porte sur les liens unissant la poétique d’Emil Cioran, écrivain et penseur essentiel du XXe siècle, avec certaines de ses postures dans son œuvre francophone. Nous avons dégagé quatre pôles autour desquels se développe la poétique française de Cioran : 1) une vision critique du langage, 2) un impact stylistique et éthique du changement de sa langue d’expression littéraire, 3) une conception de ce que doit être un style français, et 4) le refus de la part de notre auteur d’assumer quelque degré d’auctorité que ce soit. Or, dans l’autoreprésentation produite par les gloses de Cioran, la question de la posture paraît essentielle.
Nous avons ensuite pu développer une étude des figures auctoriales forgées par notre penseur. Le lien au langage et l’expression littéraire comme production valorisée par la souffrance ont conduit à l’évocation du dandy et du poète maudit, deux ethè toutefois non spécifiquement créés par la poétique française de Cioran. Il nous restait encore à analyser ses postures spécifiquement francophones : celles du sage dont l’écriture institue une praxis philosophique et existentielle, de l’écrivain français traditionnel reprenant une idée patrimonialisée et classique de ce en quoi consisterait une littérarité proprement francophone, et du penseur libertaire dont l’action consiste à investir l’auctorité textuelle pour la détruire et par là même lutter contre l’autorité délétère des idéologies politiques. Quoi qu’il en soit, Cioran laisse son lecteur libre d’interpréter la part d’implicite et de silence qu’il entretient sciemment dans ses aphorismes – se montrant finalement autant écrivain que penseur.
Délocaliser la littérature : le blog d'Éric Chevillard (2007-2011)
Meizoz, Jérôme
le 18 septembre 2007, Éric Chevillard étrennait son blog (baptisé "L’autofictif ") par la publication de trois aphorismes. En 2015, le projet est toujours actif avec la seule contrainte de produire chaque jour trois nouveaux fragments. Riche aujourd'hui de plusieurs milliers d'aphorisme, ce blog littéraire ne peut qu'étonner et interroger nos habitudes littéraires dédiées peut-être trop souvent au genre romanesque. Les chercheurs qui s'intéressent à cet embryon de phénomène notent « un retour en force du “je” [qui] s’énonc[e] à travers une large variété de thèmes, de styles et d’approches » (voir Christèle Couleau et Pascale Hellégouarc’h (dir.), Les blogs. Écritures d’un nouveau genre, Paris, L’Harmattan, 2010, p. 7.) Cette diversité (littéraire) rendue possible conjointement par ce «"retour du "je"» et l'usage de l'écriture fragmentaire m'a poussé à penser ce support comme un espace où il est possible de s'exprimer en toute liberté sur des considérations littéraires idiosyncrasiques. J'ai donc organisé cette abondante matière numérique dans le but de décrire ce que l'on peut appeler une poétique, c'est-à-dire le regard singulier et personnel que porte Chevillard sur la littérature. L'hypothèse que, par le blog, se dessine les linéaments d'une conception originale et personnelle de la littérature.
Les notions de norme et de marge questionnées par Michel Tremblay dans 'Les Cahiers de Céline'
Le Quellec Cottier, Christine
Ce mémoire est consacré à une trilogie romanesque de Michel Tremblay, 'Les Cahiers de Céline'. Nous avons choisi d’analyser le message sous-jacent de l’auteur, qui révèle une remise en question des notions de norme et de marge. Son questionnement touche de nombreux domaines, nous avons donc choisi de faire une étude narratologique des textes, une analyse linguistique, et un examen sociologique. L’étude narratologique révèle un jeux auctorial concernant les codes génériques dont la distinction n’est plus possible, ces romans pouvant se lire comme des journaux intimes, des autobiographies, des mémoires, des biographies, ou des récits fictionnels. L’analyse linguistique se concentre sur la place du français au Québec, ainsi que sur le combat des écrivains francophones pour promouvoir cette langue. Enfin, l’examen sociologique relève les normes en usage au Québec selon les époques, et les comportements considérés comme marginaux.
L’utilisation de l’aphorisme dans Une si longue lettre, Le Baobab fou et La Saison de l’ombre.
Le Quellec Cottier, Christine
La présence de l’aphorisme – énoncé bref, thétique et gnomique – marque une certaine tension dans trois romans de la littérature africaine francophone (Une si longue lettre, Le Baobab fou et La Saison de l’ombre) écrits par des femmes d’origine sénégalaise et camerounaise, à savoir Mariama Bâ, Ken Bugul et Léonora Miano. En effet, l’apparition régulière de cette forme stylistique à structure syntaxique fixe à l’intérieur de trois textes qui mettent en scène l’instabilité identitaire engendre un paradoxe : elle vise à figer quelque chose au coeur même d’un questionnement sur le rapport à soi et à l’autre. Notre travail vise à démontrer qu’il existe un lien concret entre les diverses intentionnalités relatives à l’utilisation de l’aphorisme dans les textes et la question de l’identité problématique du sujet colonial et postcolonial.
L'actualisation politique par la mise en scène : le cas de l'Antigone de Sophocle
Escola, Marc
En amont de la présente étude, il y a l’envie d’un metteur en scène contemporain d’aborder la tragédie grecque, et plus précisément l’Antigone de Sophocle. Quel est le résultat de cette rencontre et comment, en partant du texte grec, construit-on un spectacle qui fait sens pour un public d’aujourd’hui ?
« Une mise en scène n’est jamais neutre ; c’est une illusion de croire qu’on peut laisser une pièce s’exprimer toute seule. Toujours, il s’agit d’un choix. À plus forte raison dans le cas d’une œuvre ancienne, ou antique », déclarait Antoine Vitez en 1966, au sujet de sa mise en scène d’Électre. La notion de choix est précisément ce qui nous intéresse ici : par l’analyse de trois mises en scène récentes ayant pour base le texte de Sophocle traduit, celles de Paulo Correia (2009, Théâtre National de Nice), d’Adel Hakim (2011, Théâtre des Quartiers d’Ivry/Théâtre National Palestinien) et de Polly Findlay (2012, National Theatre de Londres), ce mémoire propose de s’interroger sur les directions interprétatives qui découlent d’une rencontre entre un lecteur contemporain et un texte ancien, sur le processus de transformation/traduction qui s’active lors du passage du texte à la scène et sur la signification des différents choix de mises en scène. Le tout s’articule autour du phénomène d’actualisation, qui dans ce cas précis est en lien étroit avec la question politique.
Ce mémoire a pour objectif d’étudier le bestornement des motifs courtois dans Joufroi de Poitiers, roman d’aventure du XIIIe siècle qui n’a guère eu le succès qu’il mériterait. Il y est question d’appréhender le bestornement comme un art du renversement qui permet de questionner la tradition. Ainsi, avons-nous observé Joufroi, héros éponyme, qui « renverse » véritablement son monde : il s’éprend de quatre dames différentes, en épouse deux, instrumentalise la religion, entreprend des « compétitions de largesse » et recherche uniquement la gratification sexuelle. Or, cette sexualisation du monde, qui transgresse les valeurs maitresses de la société féodale, censées être incarnée par la chevalerie, contamine jusqu'à la narration même de l’œuvre : placé pourtant sous la protection d’Amour, le narrateur ne tarde à se répandre en plaintes, au point que son omniprésence mine la fiction. Le récit de Joufroi devient ainsi l’illustration de deux stratégies de séduction différentes : l’une est victorieuse (Joufroi), puisqu’elle amène le rire et la jouissance des corps, tandis que l’autre (le narrateur) est malheureuse, car sans résultat. Séduit par les “exploits” du héros, le lecteur est alors poussé à préférer l’immoralité du comte/conte. C’est cette question de la démythification de la chevalerie et de la faillite des valeurs courtoises qui est au cœur même de notre analyse de Joufroi de Poitiers.
A l'âge "où les belles couleurs passent": la figure de la jeune fille dans les romans de C.F. Ramuz
Maggetti, Daniele
La figure de la "jeune fille" est un élément incontournable de l'œuvre romanesque de C.F. Ramuz, et pourtant que ponctuellement examinée par la critique de manière précise et spécifique. Nous nous sommes proposé, dans la présente étude, d'observer ce type de personnage particulier dans les romans de l'écrivain vaudois parus dans la dernière édition de ses Oeuvres complètes, entre 2011 et 2013.
Des fonctions assumées par la "jeune fille" au sein des intrigues, au traitement réservé à cette figure par l'auteur, il s'avère certain au terme de notre parcours que ce personnage occupe une place singulière dans le corps féminin des protagonistes de l'œuvre ramuzienne. Tantôt adjuvante ou opposante aux aspirations d'un héros, tantôt sainte salvatrice pour une communauté, ou encore commère frivole en arrière-plan du récit, la jeune fille est aussi une héroïne au centre de ce dernier, confrontée aux épreuves et aux aléas de l'existence au même titre que son équivalent masculin. Sous le regard quelquefois moqueur, plus volontiers encore attendri du narrateur, elle constitue en outre une exception notable dans la considération, globalement négative, que Ramuz réserve dans son opus aux personnages féminins.
Du tombeau à la création romanesque : l'esplumoir Merlin dans les réécritures contemporaines de Jacques Roubaud et Florence Delay, d'Elsa Solal et de Michel Rio
Wahlen, Barbara
Cette étude porte sur les représentations modernes du mystérieux esplumoir que Merlin crée à la fin du Perceval en prose, roman médiéval attribué au pseudo-Robert de Boron au XIIIe siècle. Il s’agit d’analyser les potentialités d’expression et d’actualisation que revêt ce lieu au sein des réécritures contemporaines suivantes : le cycle du Graal théâtre, composé par Jacques Roubaud et Florence Delay, la pièce Armor d’Elsa Solal, ainsi que la trilogie de Michel Rio, composé des romans Merlin, Morgane et Arthur, leur refonte en un seul volume intitulé Merlin ou le faiseur de rois, auxquels s’ajoute finalement le roman La Terre Gaste, toujours du même auteur.
En prenant appui sur les principales versions médiévales mettant en scène la fin de Merlin, l’on s’intéresse à faire dialoguer les emplois et fonctions propres à ce lieu avec la thématique du tombeau ainsi qu’à éclairer les portées nouvelles attribuées à l’esplumoir dans les réécritures contemporaines. Cet essai se construit autour des trois questions suivantes : Quels traits ont en commun les esplumoirs décrits dans le corpus et les tombeaux médiévaux de Merlin ? Comment les écrivains contemporains réussissent-ils à combler les mystères autour de l’esplumoir tout en lui donnant corps de manière moderne ? Et finalement, quelles nouvelles significations revêtent ces esplumoirs contemporains ?
L’esplumoir moderne se nourrit des variantes médiévales de la disparition de l’enchanteur en devenant un espace des morts. Cette fonction funéraire se construit à la fois dans le souci de conserver la mémoire, qui s’incarne, dans les œuvres contemporaines, dans un lieu de savoir, tel une bibliothèque ou une encyclopédie, et à la fois, dans la représentation de l’acte de création, en particulier littéraire.
Le mémoire porte sur l’œuvre romanesque de Christian Gailly, auteur contemporain encore peu étudié. Christian Gailly, qui a publié tous ses textes aux Éditions de Minuit, est souvent associé au groupe des «minimalistes» ou des «impassibles». Parvenu à l'écriture en «désespoir de cause», selon ses propres dires, l'écrivain ne cesse d’évoquer à longueur d’entretiens son salut obtenu grâce à l’écriture, tout en précisant que ce salut demeurerait profondément dérisoire. Nous sommes partie de cette posture d’écrivain pour analyser l'ensemble de son œuvre romanesque, composée de quatorze romans publiés de 1987 à 2010. Tout en proposant une classification de l’œuvre par cycles et une typologie des personnages, nous avons tenté de dégager la singularité de cette écriture et de comprendre les mutations et les tensions d’une œuvre informée de plus en plus profondément par cette téléologie du salut dérisoire. Nous avons également dégagé la notion de «romanesque dérisoire» qui, jouant du romanesque et du non-romanesque, permet de caractériser le réenchantement d’une littérature de l’hypermodernité.
Fables, mythologie et prophètes : Analyse des figures d’identification des poètes dans les "Discours des Misères de ce temps" de Ronsard et "les Tragiques" d’Agrippa d’Aubigné
Mühlethaler, Jean-Claude
Pisani Gwendolyn, Directeur du mémoire : Jean-Claude Mühlethaler
Fables, mythologie et prophètes : Analyse des figures d’identification des poètes dans les Discours des Misères de ce temps de Ronsard et les Tragiques d’Agrippa d’Aubigné
Pierre de Ronsard et Agrippa d’Aubigné sont deux auteurs qui, durant les guerres de religion qui sévissaient en France au XVIe siècle, ont abandonné leur poésie lyrique, d’inspiration amoureuse, pour se consacrer à la poésie engagée. Ainsi, dès les années 1560, Ronsard rédige les Discours des misères de ce temps pour défendre la foi catholique, dénonçant le protestantisme qui menace l’unité du royaume et sape à la base l’autorité de la monarchie.
De l’autre côté, vraisemblablement dès l’année 1577, d’Aubigné commence à écrire ses Tragiques, une œuvre qui sera publiée pour la première fois en 1616 et qui revendiquera, elle, le point de vue calviniste en posant les huguenots en martyrs des temps modernes.
Ce travail se propose d’analyser, dans les Discours et les Tragiques, les figures auxquelles ces deux poètes s’identifient (les doubles des auteurs) afin de voir dans quelle mesure et en quoi ces dernières sont représentatives de leur engagement religieux, politique, mais aussi de leurs choix esthétiques. En s’arrêtant plus particulièrement sur la figure du prophète et les doubles du poète issus de la mythologie et de la fable, ce travail devrait permettre de nuancer la notion «d’engagement » chez les deux auteurs en révélant aux lecteurs contemporains la modernité et l’actualité d’œuvres qu’on peut, du moins en partie, éclairer à la lumière de la définition de l’engagement donnée par Jean-Paul Sartre.
Trois "Romes": Stendhal, Taine et Zola face à la Ville éternelle
Caraion, Marta
Si la ville de Rome, lorsque s’ouvre le XIXe siècle littéraire, constitue un passage obligé pour l’écrivain romantique, sensible aux ruines et aux vestiges qui jalonnent la cité latine, cette dernière devient, à l’instar de Paris, l’occasion d’exercer les possibilités d’un nouveau regard, à la fois esthétique et sociologique, que l’obsession réaliste met, peu à peu, en place. En témoignent principalement les œuvres romaines de Stendhal – la troisième version du triptyque Rome, Naples et Florence (1826) ainsi que les Promenades dans Rome (1829) –, le Voyage en Italie de Taine (1866) et le deuxième volet du Cycle des Trois Villes de Zola, Rome (1896), véritables réservoirs de représentations du lieu romain en tant qu’il se présente comme espace esthétique et poétique, social et politique. Plus spécifiquement, les divers panoramas dressés dans les quatre textes susmentionnés, une fois mis en relation, renseignent sur la perception de la Ville éternelle au cours du siècle du progrès et disent le processus de dégradation auquel la focale français soumet Rome : d’immuable source d’adoration, la ville entraîne, corrélativement à l’avènement des doctrines scientistes, un sentiment de répulsion que les écrivains français, dès les années 1860, expérimentent et thématisent.
"Le plus vieux métier du monde" : postures d'auteurs vis-à-vis de la prostitution, de Louis-Sébastien Mercier à Edmond de Goncourt
Kunz Westerhoff, Dominique
Ce travail analyse les postures de différents auteurs de la fin du XVIIIe siècle à la fin du XIXe siècle vis-à-vis du thème prostitutionnel à travers des textes d’envergure variable. Il s’agit du Tableau de Paris de Louis-Sébastien Mercier (1781-1788), des Nuits de Paris de Rétif de la Bretonne (1788-1794), de la Physiologie de la Lorette de Maurice Alhoy (1840), de La Femme sans nom de Taxile Delord (1840), de La Lorette d’Edmond et Jules de Goncourt (1853), et enfin de La Fille Elisa d’Edmond de Goncourt (1877). L’analyse tente de mettre en évidence une évolution du statut de la prostituée dans ces textes, accédant petit à petit au niveau de personnage central individualisé. Ce changement se constate tout d’abord au niveau des systèmes énonciatifs mis en place dans les textes qui se caractérisent par un déplacement allant du factuel au fictionnel. De plus, c’est également au niveau de la scénographie prostitutionnelle que le mouvement d’individualisation de la prostituée se constate : en effet, les auteurs déplacent petit à petit la scène narrative de l’espace public aux espaces clos de la prostitution. Cela s’accompagne par des procédés d’aspectualisation toujours plus internes aux personnages des prostituées, ce qui les fait d’autant plus accéder à l’avant de la scène narrative.
Maylis de Kerangal, une épique contemporaine. Naissance d'un pont et Réparer les vivants: chanter la geste collective
Meizoz, Jérôme
Omnivore, le roman peut tout ingérer selon Maylis de Kerangal, digne représentante du collectif INCULTE, même les sujets et les langages qui n’ont a priori rien de littéraire. Preuves en sont ses deux derniers romans, Naissance d’un pont et Réparer les vivants qui traitent respectivement de la construction d’un pont et du don d’organes. Le premier chapitre de ce mémoire, intitulé « Le roman omnivore », s’ouvre sur des considérations concernant l’évolution notable de l’œuvre de Kerangal, sa méthode de travail comportant une phase importante de documentation et de terrain, la langue qui agit dans ses romans comme un « filtre du réel » ; il se clôt enfin sur une analyse plus fine de la narration qui se veut « sans surplomb », ni sur les personnages, ni sur le lecteur.
La presse et Maylis de Kerangal elle-même qualifient régulièrement Naissance d’un pont et Réparer les vivants « d’épopées contemporaines » et c’est à partir de ce postulat que j’ai orienté l’analyse du deuxième chapitre intitulé « Le roman épique ». Certaines invariances du genre de l’épopée identifiées par Daniel Madelénat (L’épopée, PUF 1986) se retrouvent dans les romans de Kerangal, tant au niveau de la « parole épique » (ton du narrateur, goût de la digression, style) que de la structure de l’action. En outre, Naissance d’un pont et Réparer les vivants s’inscrivent dans la lignée de deux « sous-genres » de l’épopée : le western pour le premier, la chanson de geste pour le second. L’analyse des composantes épiques présentes dans les deux romans permet d’interroger les liens qu’ils entretiennent avec l’épopée et de montrer que le projet qui fonde l’existence même de l’épopée se trouve également au cœur de l’entreprise romanesque de Maylis de Kerangal : chanter les exploits des héros en mobilisant la mémoire collective.
L'hybridité textuelle et identitaire dans la trilogie de Ken Bugul
Le Quellec Cottier, Christine
Dans les années 80, la parution du "Baobab fou", premier volet de la trilogie de Ken Bugul, provoque le scandale, car celle-ci ose briser les tabous. "Le Baobab fou", "Cendres et Braises" et "Riwan ou le chemin de sable" sont des récits de soi qui interrogent le statut de la femme et explorent des thématiques liées à la féminité, à travers le parcours singulier de Ken Bugul.
La mise en parallèle de ces textes avec des concepts théoriques tels que "l’hybridité", "l’autofiction" ou la perspective "postcoloniale" permet d’éclairer l’œuvre et d’apprécier sa dimension transgressive.
La quête de soi de la protagoniste est marquée au sceau de "l’hybridité", du fait de son malaise identitaire. Le texte bugulien rend à la fois compte de cette instabilité, de par son esthétique particulière et c’est aussi le lieu où Ken Bugul peut se reconstruire. L’élaboration créatrice agit ainsi comme une thérapeutique.
D’un conte (à) l’autre. (Re)mise en dialogue des Contes des Fées. Par Mme D*** de Marie-Catherine d’Aulnoy, de La Jeune Amériquaine et les contes marins. Par Mme de ***, de Gabrielle-Suzanne de Villeneuve et du Magasin des enfans de Jeanne-Marie Leprince de Beaumont
Heidmann, Ute et Núñez, Maria Loreto
Comme son titre l’indique, ce travail de Master porte sur les « contes ». Plus particulièrement, il s’attache à approcher un « conte pour enfants » mondialement connu, celui de « La Belle et la Bête », avec des outils conceptuels qui se veulent novateurs. Le but en est de sortir des préconstruits qui le rangeraient volontiers du côté du « populaire », du « folklorique » et/ou de « l’enfantin ». Ces catégorisations sont autant de préjugés qu’il s’agit avant tout de questionner si l’on veut comprendre le « conte » dans toute sa complexité discursive. Pour ce faire, il est nécessaire de prendre du recul en le remettant en réseau, à la fois avec son contexte d’énonciation et ses intertextes. C’est dès lors en adoptant une perspective comparatiste, discursive et différentielle, que je propose d’en traiter. Dans un premier temps, l’enchâssement narratif comme stratégie énonciative me permettra de cerner le projet qui sous-tend les Contes des Fées. Par Mme D*** de Marie-Catherine d’Aulnoy. Loin de s’adresser à des enfants, l’auteure vise au contraire à converser avec ses contemporains et, plus précisément, ses consœurs. Dans un deuxième temps, je m’étendrai à l’analyse des recueils de Gabrielle-Suzanne de Villeneuve et de Jeanne-Marie Leprince de Beaumont, respectivement La Jeune Amériquaine et les contes marins. Par Mme de *** et le Magasin des enfans, afin de mettre en lumière le dialogue que les trois textes instaurent les uns avec les autres et la subtilité des reconfigurations que les auteures effectuent tour à tour afin de servir un projet discursif personnel et particulier. De cette façon, j’espère être à même de montrer non seulement que le « conte pour enfants » est le fruit d’une subtile collaboration qui visait à replacer la femme sur le devant de la scène, mais aussi de comprendre et d’expliquer comment il a été possible de passer d’un « conte » pour adultes et érudit(e)s à un « conte pour enfants ».